每一种乐器都有它的尊严不同的音乐对话前提是平等
苏贞
《中提琴与世界的对话》
《不列颠狂想曲》
李勋
王纪宴
对话人：
苏贞：中提琴演奏家，中心音乐学院中提琴教授、博士生导师
李勋：作曲家，《中提琴与世界的对话》艺术总监
王纪宴：音乐评论家,中国艺术研究院音乐研究所音乐学者
演奏家苏贞2017推出的新专辑《中提琴与世界的对话》，以中提琴这件相对冷门的西方乐器，演绎九首中公民歌和一首原创曲目。《鸿雁》《牧歌》《青春舞曲》《三十里铺》……中提琴与竹笛、古筝、琵琶、新疆鼓等古代民族乐器交响，有时爵士、流行音乐风格也出现在此中，既熟悉又陌生，动听又富于新意，让这些经典多了一种流传的样貌，一种艺术的可能。
苏贞自己与世界的对话起头于上世纪九十年月，她赴海外进修事情后又回到中国，在两国古典音乐领域频频穿越后，这张融合了多种音乐文化的专辑，更是一种与她自然贴合的艺术表达。
近日，北青艺评与《中提琴与世界的对话》的创作者和音乐学者进行了一场对话。
虚心接受，勇于表达
北青艺评：《中提琴与世界的对话》这张专辑的创意是若何发生的？
苏贞：我的第一张专辑是从英国皇家音乐学院毕业归国后的《不列颠狂想曲》，全数为英国作曲家为中提琴写的作品，2014年在伦敦刊行。那张专辑总结了英国近代优异的中提琴作品，英国《留声机杂志》等顶级的学术杂志都给予好评，由于那时英国的中提琴家还没有出过这样的专辑。
现实上，录制咱们中国的中提琴经典作品，一向是我的梦想，但必需承认，真正为中提琴写的作品并不多。对于演奏者来说，从现有的曲目库当选择艺术价值高又能遭到听众喜好的作品，当然是最多见的做法，但音乐家也需要拓展新的领域。创作新的作品是李勋老师他们作曲家要做的，但演奏家也有可能、也有责任介入到新作品的缔造中。就像柏辽兹为中提琴和管弦乐写的《哈罗德在意大利》，假如没有帕格尼尼的提议、委约、推动，咱们今天就不太可能听到这部杰作。我很荣幸有机会与李勋师长谈我的设法主意，和录制中国作品专辑的构思。在这张专辑中，能够说咱们进入了古今中外一个积厚流光的作曲家与演奏家合作的古代中。
由于疫情的缘由，这张专辑录制了近两年时间。在这期间，李勋师长和我有着一种配合的力图完善的理想，以是咱们对每一首作品都频频点窜，不竭提升。李勋师长对我国差别地区、差别民族音乐素材的改编，还有他的原创作品《那个年月》，既是中提琴与世界的对话，也是创作者和听者与大自然的对话。从文化的角度说，这张中国作品专辑与《不列颠狂想曲》也构成一种对话。
北青艺评：王纪宴老师围绕《不列颠狂想曲》写过一篇评论，对苏贞老师的表现给予热情称赞。您觉得，从《不列颠狂想曲》到这张《中提琴与世界的对话》，苏老师的演奏艺术有哪些转变和跨越？
王纪宴：我一向清楚地记得第一次听《不列颠狂想曲》的感受，让人改变对中提琴的影像，以及对生僻曲目和20世纪音乐敬而远之的心态。我在学生时代就从杨民望师长翻译的德·罗加尔-列维茨基写的那本有趣的《管弦乐队讲话》中读到，中提琴是现代管弦乐团中“最不走运的一种乐器”，由于中提琴大部分时间演奏和声的中央声部，因此咱们很少有机会听到中提琴自己的声音，而老是和其他乐器融合的音色。
但现实上，无论是苏贞老师经常演奏的莫扎特为小提琴和中提琴写的《降E大调小提琴、中提琴交响协奏曲》，还是柏辽兹根据拜伦的长诗创作的《哈罗德在意大利》，都让咱们认识到中提琴有多雄厚的表现力和多美的音色。芭蕾舞剧《吉赛尔》第二幕，陪伴吉赛尔的幽魂与前来坟场看望她的心上人阿尔布莱希特那段双人舞的大段中提琴独奏，就足以印证《中提琴与世界的对话》专辑所附的小书第一页苏贞老师撰写的媒介中对她的乐器的深情赞美：“我一向认为中提琴是世界上最完善的乐器，它既有小提琴绚丽精明的高音，也有大提琴深邃铿锵的低音。”
正如您所说，《不列颠狂想曲》的曲目并不是朋友们耳熟能详的。我必需承认，专辑中苏贞与英国钢琴家西蒙·莱珀合作的五首作品，没有一首是我此前听过的，连曲名都是陌生的。但苏老师和莱珀师长的演奏，让这五首作品成为我熟悉的音乐，尤其是第一首——科茨的《初遇》。这就是优异的演奏家所具有的气力——将听者带入音乐。
北青艺评：李勋老师作为这张专辑的艺术总监，也是专辑中乐曲的改编者，您是若何通过这些乐曲表达“与世界对话”这一大旨的？
李勋：世界上的音乐是一个庞大的、浩瀚的领域，古典音乐不是全数，流行音乐也不是全数，也不是古典音乐就比摇滚乐高尚，音乐是一个普遍的概念，最有趣的就在于彼此之间能够相互沟通，不竭碰撞。
在古典音乐之前还有更原始的原生态音乐，比如勃拉姆斯第一交响曲就鉴戒了阿尔卑斯军号。张艺谋的《对话·寓言2047系列》挖掘了一个放羊的老爷子，他历来不知道音乐是甚么，但一张嘴唱，我就服了，好听极了！
世界上的艺术家都在寻觅更多可能性，咱们没有特此外上风，尤其是选择通过一件西方的乐器去表现，除了模仿以外，只能靠不竭的测验考试。咱们曾经不敢去说自己的故事，也曾过于敢说自己的故事，似乎曾经完善到他人都不值得咱们去进修。咱们知道自己不太够的时候应当拼命地进修，像海绵一样吸收，也要敢于表达自己的思惟。虚心接受，勇于表达。
艺术要找共性
没找到是艺术家的问题
北青艺评：浓郁的民族风情，多彩的民族画卷，构成《中提琴与世界的对话》的鲜明艺术风格，作品在地区上有着宽广跨越，在选曲时是基于怎么的考虑？
李勋：在启动创作之前，我问苏贞老师，创作的空间和标准能够做到多大？稳妥些，还是有可能被人扔石头那种？她说：扔石头会怎么样？苏贞老师是特别有进取精神和冒险勇气的那种艺术家。有时候，即便咱们的测验考试是错的，也能给其他人一个提醒：此路欠亨。我在古代旋律的改编中进入了现代元素，有的曲子中还进入了爵士元素，这都给演奏家带来挑战，甚至是很大的挑战。有时我自己拉小样的时候手指都给折腾得够戗！
当然咱们也在掌握均衡，起头还考虑过是否是也能够引入广场舞音乐的身分，后来觉得标准可能太大了。
表达情感是共通的，长着黑头发的会哭，长着金头发的也会哭，哭只是哀痛的载体。可是哀痛的表达有万万种，可以是《三十里铺》，也能够像瓦格纳那样凝重。中提琴适应的范围很宽，介于小提琴跟大提琴之间，又能扮男性又能扮女性，咱们就选择适合它表现的角色。我比较领会中提琴的特性，知道它能够实现的效果，中提琴不成能像小提琴、长笛那样非要追求气力、灵巧，但能够进修灵巧，用于突破自己的技术难关。
北青艺评：对于接受的音乐教育和日常平凡的演奏以古典曲目为主的演奏家，对这张专辑的果敢立异会有不适应吗？
苏贞：这张专辑的作品确实有太多立异之处，我需要一个熟悉和体味的过程。古典音乐就像横平竖直，爵士可能就拐弯了。有一次我拉得不顺，李勋老师和灌音师直接跟我说：归去再练练吧。我也听到有人对我说，你怎么录了这么一张专辑？语气中透着不认可。可是我很自豪，这张专辑我从头至尾都特别喜好，说得直接些：I love it！
就像王老师谈到的，中提琴的普及程度特别低，以是我进展在这些作品中，首先让普通听众觉得好听，此外就是进展拉中提琴的人都喜好演奏，不想让现在的孩子一拉到有一些曲子就觉得“真难听”。
王纪宴：《中提琴与世界的对话》确实表现了一种与大大都今世音乐创作的差别——不怕作品好听。有这样一种听起来难以想象却现实存在的认知，大概说默契，——在“高级”的音乐创作领域，好听的旋律很容易被认为“不高级”。我有一次与一名作曲家谈到这个问题，他对我说：“不是咱们写不了好听的旋律，是不敢写。”以是在有些唱片发热友中有这样一个说法：听贝多芬、威尔第甚至布鲁克纳、马勒都不及以显段位，只要咬着牙听《沃采克》才是真利害！为何要“咬着牙”听？是由于，虽然贝尔格这部作品是20世纪歌剧名作，但期待听到“今夜无人入睡”那样的旋律的人，就算坚持听，也真的需要咬着牙忍耐那些没完没了的不甚动听的音乐。李勋老师几回再三说他在冒险，他预备好了被扔板砖，照我理解，板砖中有几块也许来自对好听音乐的鄙视。
北青艺评：在中提琴的演奏曲目中，“好听”的环境是甚么样的？
苏贞：20世纪今后，世界各地的作曲家为中提琴创作独奏和协奏作品才逐渐多起来，以是，古代意思上好听的作品并不那么多。好听并不是衡量音乐作品艺术性的独一标准，大概说，好听这个概念本身就有很广的内在，并不只是意味着甜美的旋律，重要的是与听者的精神共识。但旋律优美的、好听的作品，通常更容易引发共识，让人们喜好上中提琴这件乐器和中提琴演奏这门艺术。
李勋：对作曲家来说，他需要知道：我的曲子是写给谁听的？艺术创作不是自嗨。我必需听到朋友们的反馈，调整自己的方法、手段。艺术需要共性，没找到共性，艺术家要考虑：问题是否是出在了我这里？
王纪宴：假如说《中提琴与世界的对话》前九首作品中作为音乐素材的民歌“自带”了共性，那么《那个年月》一样表现了这种共性。这首来自李勋老师的原创芭蕾舞剧《海河红帆》的作品，既是在表达剧中的那个年月，此中也融入了作曲家自己的那个年月，而在咱们听的时候，让咱们每小我想到属于咱们每小我的“那个年月”。这种让听众从中找到、照见自我的表现力，不正是艺术的“共性”的表现？
北青艺评：确实，专辑中的九首作品所根据的民歌，被一代又一代人咏唱和热爱，李勋老师的改编能够说是对共性的重塑，而原创作品承载着作曲家的小我体验，与那些到处颂扬的旋律出现在统一张专辑中，客观上构成一种比较，在听众的接受方面是否是可能也会有比较？
李勋：我从一名创作者的角度认为，对创作者和作品，需要面对真实的评价，接受哪怕是严峻逆耳的批评，只要这样才能清楚甚么是他人能够接受的，甚么是不行接受的。创作者连挨骂的勇气和决心信念都没有，怎么提高自己？真实的乐评，作品或演出真的好就不惜赞美，欠好就直接批评，这样才能督促创作者认真看待创作，连结活力，不竭进步。
摆脱让中外乐器
比出高低的观念
北青艺评：苏贞老师在专辑的媒介中有这样一段文字：“李勋师长把这些散落在祖国大地上的特别原生态的素材进行了多元化的二度创作，让中提琴和我国古代民族器乐更加完善地结合在一路。”与古代民族乐器的结合，是良多作曲家孳孳探索的。在这张新专辑中，中提琴与民族乐器的结合、融合，带来一种非常新颖的色彩和表现力，这是否表现了一种咱们当下的音乐创作与世界对话的新的范式和方向？
李勋：所谓“对话”，条件是摆脱让中外乐器比出高低的观念。只要在同等的观念中，才能实现差别文化的音乐间真正意思上的对话。马友友的丝绸之路合奏团，我介入了大要七八部作品，咱们会发明，中西音乐对话能够达到这样的境界。一样是表达哀痛，小提琴用小提琴的方法，二胡用二胡的方法，风笛用风笛的方法。具体到某一件乐器，在技巧和表现力方面会有差异，可是从音乐文化的角度来说，对话意味着同等。“鄙视链”发生于拿一方的短处与另一方的长处比较，应当把长处与长处放在一路，这才是同等的对话。
王纪宴：李勋老师所谈的同等的对话，表现在《中提琴与世界的对话》对中提琴与民族乐器的运用中，给予乐器以庄严，赋予音乐以特此外亲热感，使得咱们耳熟能详的旋律散发出一种独特魅力。这使得这张专辑中的乐曲与以往我听到的一些作品中民族乐器与交响乐团的“对话”差别，在那样的作品中，我老是感觉，咱们的民族乐器或多或少地被看成为作品添加一抹民族色彩的效果元素或符号。
苏贞：在咱们合作录制《中提琴与世界的对话》时，将这张专辑看成与世界协调对话的平台，在中提琴这件咱们所说的西方乐器与竹笛、古筝、琵琶、新疆鼓这些古代乐器的融合中，我相信听众会和咱们这些演奏者一样自然地感觉到，世界能够更好地融入到统一语言中。文/于静
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